1984年出生的克里斯·胡德的艺术实践和思考，或许可以看作是这个时代艺术创作活动的一个缩影。不像上一代艺术家刻意追求的新奇和叛逆，也不像更早一代艺术家呈现的深刻与沉重、思辨与超越，胡德的作品给观众带来了即时的视觉舒适感和愉悦感。

在2015年的一次采访中，艺术家说他在画布背面作画，油彩渗透画布后产生了一种陌生的色彩效果，也因此，围绕画布这一物质媒介，形成前、后、中三个物理画层（我想这或许是展览标题“从平地坠落”最初的字面由来）。自印象派以来，绘画艺术开启了平面化时代，后被格林伯格发展到形而上学的高度。胡德对画布材料的审视和利用不经意间获得了一个不同于传统立体主义的、更直白、更物质的立体尝试。

这位艺术家也曾谈到了对表情符号的使用，只是在此次展览中，表情符号被换成了一些简单的人脸轮廓。他说:“尽管表情符号很笨，但它们也是美丽的象形文字……具有很强的沟通能力。”确实，表情符号作为交流工具的历史由来已久，在今天的社交媒体时代，兼备指事和象形功能的表情符号更是被应用到无时不在的地步。然而，表情符号的普及不仅是因为它具有弥补语言缺陷的功能，更因模糊表达已经从交流的边缘化走向了主流。

艺术界标示反文化、反意义倾向的含糊表达由来以久。在试图寻找超越正常且单线逻辑的叙事表达时，人类最初的成就是，佛祖和迦叶尊者共同以拈花与微笑的互动开启了禅宗。西方现代主义之后，一代又一代的西方艺术家开始发现禅宗不立文字的妙处，于是他们对艺术表达技巧进行了各种改进尝试。安迪·沃霍尔(Andy Warhol)是从“不好好说话、亦正亦反”的腔调中得到好处的最好例子，更早的例子追溯到杜尚(Duchamp)，他是第一个看清逻辑表达的缺陷和不说话的好处的人。今天,胡德这一代的艺术家已经在边界模糊的路上大获全胜：通过多重元素的混合、重合、涂抹等形成对观看体验的陌生感并因此重构出一个新的抽象体验。但这个抽象不是传统的追求高精神纯度的理念抽象,而是一种相对于具体、确定而言的含混不清。确切地说，这种混淆式抽象是面向个体体验的，正如今天的元宇宙等虚拟现实技术也是面向个体体验的，面向人类既沉迷其中又自我怀疑的个体体验。

值得指出的是，胡德在画面中叠加、穿插、混淆了各个逻辑叙事层，客观上增强了作品色彩的灰度。也就是说画面的视觉感觉温和，尖锐的冲突感减弱。在胡德的画中，即使是黑色也是温暖的。问题是，年轻一代的痛苦真的很轻微吗?难道他们真的“因为没有经历战争和灾难的洗礼，就比以前的艺术家更幸运地体验到生活的温暖和幸福”?或者他们不知何故失去了表达痛苦的能力?还是有某种更强大的力量将这一代人的痛苦推得比艺术所能触及的更深?